Ebola Joy - Sitra Achra

Cuando hablamos de la escena musical del rock en países como Checoslovaquia, ¿Qué sabemos al respecto? Casi nada en realidad. Ebola Joy es un trío checo que ha apostado por un sonido oscuro con claras influencias de bandas como Depeche Mode y de la alemana Rammstein. Los inicios de Ebola Joy se dan en el año 1997 cuando el guitarrista Jiří "York" Réda y el teclista Aleš "-aL-" Weizer se reúnen e invitan a Dana Müllerová como cantante y fue en octubre de 1998 cuando este trío checo graba su primer demo llamado “Give Me a Medicine”. En 1999 Dana Müllerová tiene problemas con su voz y es remplazada por otra voz femenina: Iva Doválelová. Fue después de haber grabado su segundo demo “...In The Name Of Their God” que decidieron prescindir de una voz femenina. Hasta ahí Ebola Joy era una banda perfectamente desconocida y fue gracias a que en 2002 participo en un álbum tributo a la banda Rammstein que se supo de quien se trataba. “Sitra Achra” es su primer álbum, termino que designa una modalidad de lucha parecido a la esgrima pero con cuchillos, llamada también, inapropiadamente, “pelea gitana”. En este álbum coexisten varios elementos como las guitarras propias del metal aunque también hay delicadas partes melódicas, ocasionales gritos, teclados dramáticos y oscuros con una batería y ritmos programados. Lo interesante y sobresaliente son el contraste de voces: por un lado la fragilidad y sentimiento de una y la profunda, tétrica, oscura de la otra. Y que decir de las letras:

¿Porque nada es como antes? ¿Porque el tiempo cambia todo?

Algunas veces me siento como vacío; como si estuviera muerto

-DIAPASON40-

Ebola Joy, Sitra Achra
Independent, 2003

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Ben Weaver - The Ax In The Oak

Quinto álbum de este veterano del folk y la americana en el que incluye, por primera vez y de manera notable, elementos electrónicos (adornos, efectos, ritmos, etc.), distorsión y efectos en la guitarra, y percusiones ocasionales, con lo que enriquece y refresca su sonido sin romper con el estilo reposado e introspectivo que lo caracteriza. El de Oregon se arriesga, y gana, entregando un álbum que se aleja de los “estándares” del genero pero que de alguna manera sigue siendo totalmente reconocible: música calida y orgánica, de guitarra acústica, pianos, y uno que otro banjo, con letras elaboradas, y las profundas y apabullantemente serenas interpretaciones de Weaver, que en combinación con el brillante cello de Julia Kent, hacen que "Ax In The Oak" transcurra en un ambiente de calma y melancolía alterado solamente por temas como “Pretty Girl”, un tema con caja de ritmos, coritos, y guitarras ligeras (“exuberante” para los estándares de Weaver), o la delicada fuerza de las abridoras “White Snow” y “Red Red Fox”. Decir que Weaver se reinventa con “Ax In The Oak” seria exagerado, pero sin duda logra un álbum fresco y diverso manteniendo sus raíces folk y country demostrando así que no hay quinto malo. -CORANNIEIT-

Ben Weaver, The Ax In The Oak

Bloodshot, 2008

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Amanda Palmer - Who Killed Amanda Palmer

Amanda Palmer, la mitad creativa de los Dresden Dolls, presenta su primer trabajo en solitario “Who Killed Amanda Palmer”. Considerando que los de Boston son un dúo de piano y batería la pregunta obligada es: ¿Que tan diferente puede sonar un disco solista de su pianista, cantante, y compositora? Concebido como un álbum de canciones solo para piano y voz, en los que no cabía la batería de Brian Biglione, al final de cuentas Palmer, de la mano de Ben Folds en la producción, entrega 12 temas en los que si bien el piano es el protagonista, también se incluyen órganos, guitarra, cuerdas, alientos, y… batería (tocada por el propio Folds). El álbum se mueve entre temas con una producción elaborada como “Leeds United”, una pieza movida, animada con alientos orquestales, u “Oasis”, con un sonido retro, divertido y optimista (a pesar de que la letra habla sobre ser violada, quedar embarazada, y luego tener un aborto), y piezas que se apegan mas a la idea original de solo piano y voz como “Ampersand”, musical y líricamente el tema mas emotivo del álbum, o la sombría y levemente siniestra “Strenght Through Music”. Curiosamente son los temas más simples (piano/voz) los que se alejan mas del sonido de los Dresden Dolls mientras los temas con mayor producción nos permiten imaginar por momentos como sonarían estos si fueran una banda con una alineación “convencional”. Como primer intento solista (tal vez injustificado ya que todos los temas podrían haber estado en cualquier álbum de los Dresden Dolls) “Who Killed Amanda Palmer” es un buen disco, a secas; ojalá que para el próximo Palmer se “olvide” de los Dolls y encuentre su sonido propio. -CORANNIEIT-

Amanda Palmer, Who Killed Amanda Palmer
Roadrunner Records, 2008

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Juana Molina - Un Día

“Un Día” es el mas reciente álbum de la peculiar artista argentina Juana Molina en el cual, aunque mantiene la esencia folktronic de su música, se aleja un poco de la calidez y el minimalismo de sus discos anteriores cargándose ahora mucho mas hacia la electrónica y la experimentación. Armada con su guitarra acústica, teclados, y un arsenal de pedales, secuenciadores, y demás juguetes electrónicos, la bonaerense va hilando sencillos acordes de guitarra, que se repiten en loops infinitos, con tonadas de teclados y efectos electrónicos, entregando piezas reposadas y atmosféricas pero también, quizás la mayoría, temas con ritmos frenéticos e hipnóticos. Por otro lado, a pesar de no contar con una voz precisamente privilegiada y de que la mayoría de los temas son “instrumentales” (o al menos carecen de letras estructuradas), Molina no se inhibe y explota su garganta haciendo que la parte vocal sea también protagonista de la música ya sea “cantando”, siempre con métricas muy particulares que matan cualquier intento de melodía, o haciendo secuencias y sampleos con su voz utilizándola no solo como un elemento mas, sino en muchos momentos, como el "instrumento" principal al que los demás acompañan. Con temas como “Un Día”, “Los Hongos de Marosa”, o “El Visitado”, Molina entrega un disco sofisticado, hipnótico, pero sobre todo, alucinante. -CORANNIEIT-

Juana Molina, Un Día
Domino, 2008

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Haggard - Tales Of Ithiria

Cuarto álbum de esta multitudinaria banda alemana de metal sinfónico en el cual mantienen la línea de sus discos anteriores tanto musicalmente, combinando doom y death metal con música clásica, opera, y música medieval, como líricamente, presentando nuevamente un álbum conceptual que ahora gira en torno a una historia fantástica (salpicada de guerreros, gnomos, unicornios, etc.) que se va narrando a los largo de los 12 temas que componen el disco. Aunque la propuesta no es novedosa, lo que diferencia a Haggard de otras bandas del genero es que no son una banda de metal que simule el sonido sinfónico con sintetizadores, ni son "acompañados" por una orquesta de sesión: los 16 músicos que forman la parte sinfónica/operística (sopranos, piano, violines, cellos, oboes, etc.) son miembros activos y permanentes de la banda tanto como lo son los 4 elementos de la parte metalera (guitarras, bajo, y batería) por lo que desde el principio la música es concebida y compuesta para fusionar ambos sonidos. Así, lo que Haggard nos ofrece, son riffs filosos y demoledores en perfecta armonía con arreglos de cuerdas, minuetos acompañados con batería a doble bombo, y las delicadas voces de las sopranos Su Ehlers y Veronika Kramheller, en coro con los bestiales gruñidos de Asis Nasseri (sin faltar las piezas instrumentales puramente clásicas). Como dato "curioso" el álbum incluye una adaptación de “Hijo de la Luna” (si, el clásico de Mecano) interpretado por la mexicana Lolita Garza. Aunque "Tales Of Ithiria" no representa ninguna novedad, ni en el género ni en la discografía de Haggard, es un excelente disco con música intensa, llena de detalles, épica y grandilocuente, que provoca que al mismo tiempo que se hace el headbanging se agiten las manos simulando dirigir una orquesta sinfónica. -CORANNIEIT-

Haggard, Tales Of Ithiria
Drakkar, 2008

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Infront - Wordless

Hay muchos tipos de músicos de guitarra al ejecutar su instrumento, pero solo hay dos clases de álbum de guitarra instrumental. Diríamos que la primera categoría le corresponde al clásico guitar hero, músico que busca una ejecución lo mas brillante posible, desarrollando una técnica obtenida tras largas y agotadoras jornadas de practica. Para algunos esto seria mostrar cierto grado de egocentrismo. ¿Pero que pasa cuando no hay héroe solista? Ese es el caso de Infront, banda de origen ruso que explora de manera mas que brillante los caminos intrincados de los sonidos para amalgamar lo que conocemos como música. Se inician en el 2003 con su EP “News From The Other Side” llamándose Invisible Front; es después de algún tiempo que toman como propio el de Infront. En “Wordless”, su primer álbum, se notan claramente marcadas influencias que van desde el jazz, el heavy rock, en fin: fusión pura. Su música en definitiva posee a veces un toque “ crimsoniano”, entre otros. Infront tiene el gran acierto de mantener un constante dialogo de guitarras basado todo en una buena sección rítmica. En “Wordless” no se esta reinventando la música instrumental de rock, pero estos músicos logran pasajes con un sello distintivo en cada tema: la melancolía y hermosura de “From Where The Wind Blows”, remitiéndonos irremediablemente al espíritu de Robert Fripp, “Autum Velvet”, con un ensamble de alientos que la hacen una de las favoritas y diferente, la agresiva “Runnn”,y, terminando finalmente, con un extenso tema sereno de casi 13 minutos, ”Chinese Butterfly”. Infront nos demuestra en esta ocasión con solo ocho temas que se puede hacer rockprog instrumental sin complicaciones usando el virtuosismo en un concepto que podríamos llamar “música inteligente”. -DIAPASON40-

Infront, Wordless
RAIG Music, 2005

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I Am Robot And Proud - Uphill City

Hubo una época en la que la música electrónica era compuesta por músicos e interpretada con instrumentos musicales. Luego, a finales de los 90´s y principios del nuevo milenio, llego el boom de la electrónica y en muchos casos esta se redujo a laptops, sampleos, pistas de baile, y DJ´s. Afortunadamente aun hay proyectos como I Am Robot And Proud, alter-ego del canadiense Shaw-Han Liem, que presenta su cuarto álbum "Uphill City" compuesto por 10 temas instrumentales de música electrónica a la vieja escuela: teclados, cajas de ritmo, y, ¿por que no?, una que otra guitarra. "Uphill City" contiene música sencilla y gentil que va de la intelligent dance music al pop, y en la que los sampleos y efectos electrónicos se combinan con sonidos "orgánicos" como la guitarra y el piano eléctrico con lo cual Liem logra crear temas con diferentes moods: algunos alegres y optimistas, otros obscuros e introspectivos, dándole con esta variedad un toque humano al sonido y evitando que este caiga en la monotonía (a veces tan típica de la electrónica). "Uphill City" es un buen disco de electrónica hecha por músicos, en el que detrás de todas las herramientas y elementos tecnológicos que se usan, hay un proceso de composición, interpretación, y de feeling, confirmando así que la música electrónica puede ser escuchada y disfrutada mas alla de las pistas de baile. -CORANNIEIT-

I Am Robot And Proud, Uphill City
Darla Records, 2008

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Lady & Bird - Lady & Bird

Ella nace en Israel, se cría en los Países Bajos, pero vive en Francia. Su estilo mezcla la chanson francesa y el folk intimista, con sonidos modernos y refinados. Con una trayectoria que incluye la formación de dos bandas (KAB y Shelby) a partir del 2000 inicia su carrera en solitario. El nace y vive en Islandia, crea su grupo (Bang Gang) en 1998, con influencias marcadas de la psicodélica y sinfónica del pop. Lady & Bird es un proyecto musical que mezcla dos figuras de la música contemporánea: Keren Ann y Bardi Johannsson. Es una combinación que deleita sobremanera, una conjunción musical que resulta en un álbum completísimo en su género tan elegante e inocente que de manera inevitable conjuga imágenes de la infancia. Lady & Bird, dos criaturas cuyos orígenes se pierden en el tiempo, han elegido reencarnarse en los cuerpos de personas adultas para poder experimentar los placeres terrenales. Lo mejor de cada uno se encuentra aquí, las texturas, sus armonías vocales, la fragilidad, su amor por el pasado, y la revisión de la tradición del pop. Podemos encontrar temas de belleza tranquila en "Walk Real Slow", psicodelia en "Shepard´s Song", una dulce versión del "Stephanie Says" de Velvet Underground, y experimentación en "La Ballade Of Lady And Bird" en la que juegan a ser niños que descubren lo que es la soledad desde su inocencia en un relato inquietante, hermoso y lleno de desasosiego. -DIAPASON40-

"Dama: Pájaro…no puedo ver la cosa…
Pájaro: Todo esta en tu mente…"

Lady & Bird, Lady & Bird
Yellow Tangerine, 2003

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James - Hey Ma

Tras una separación de 6 años, y después de haberse reunido el año pasado para realizar una serie de conciertos especiales, los de Manchester decidieron volver a las andadas y ahora dan a conocer "Hey Ma" su primer disco de estudio desde el 2001. Presentando prácticamente la misma alineación que grabara el celebre "Laid" (1993), James declara su resucitación con la abridora "Bubbles", tema que inicia con la batería de David Baynton simulando los latidos de un corazón mientras Tim Booth canta "...i'm alive!...". A partir de ahí se desgrana una serie de canciones llenas de melodías memorables, en las que la banda demuestra que a pesar del retiro en el que estuvieron no han perdido la habilidad de crear canciones de rock/pop perfectas a base de música ligera (que no simple) y alegre, con muchas tonadas y coros pegajosos, de esos que uno se queda tarareando a la primera escucha, pero que tienen la suficiente profundidad para sonar intimas y calidas. Aun con un Tim Booth cantando sobre ponerse viejo, la guerra, y el fundamentalismo, la banda mantiene el tono festivo y energético de la música en temas como "Hey Ma", "Oh My Heart", y "White Boy", equilibrándolo con la melancolía y emotividad de piezas como "Upside Down" y "I Want To Go Home". "Hey Ma" es un disco que no tiene desperdicio y representa un excelente regreso para una de las agrupaciones mas infra-valoradas de la década pasada y de la cual muchas bandas que hoy en día pretenden descubrir el hilo negro por medio de arreglos rebuscados e instrumentaciones complejas, podrían aprender el arte de hacer canciones impecables de rock/pop sin muchas complicaciones. -CORANNIEIT-

James, Hey Ma
Decca, 2008

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John 5 - Requiem

Cuarto trabajo en solitario del norteamericano John Lowery, mejor conocido como John 5, ex-guitarrista, entre otros, de Marylin Manson. En "Requiem" encontramos música pesada, turbulenta, acordes agresivos, y requintos demenciales, intercalados con frecuentes coqueteos con el country y el bluegrass. 10 piezas de metal instrumental que como es de esperarse están hechas por y para la guitarra; desafortunadamente John 5 cae en el simplismo de casi todos los guitarristas de metal: reducir su virtuosismo a una cuestión de velocidad interpretando temas cuyo único fin es demostrar cuantas notas por segundo son capaces de tocar. Esto no es malo...pero después de 3 temas se vuelve un poco aburrido y estridente. A pesar de esto "Requiem" tiene buenos momentos, sobre todo cuando se privilegia la imaginación sobre la velocidad. Temas como "Noisemaker´s Fire" que, salvo el primer acorde y los efectos de fondo, inicia como una dulce melodía country que después se convierte en metal industrial, la sabrosa "Pity Belt", una pieza cortita con aires de country y bluegrass (al que sigue "Cleansing The Soul", su continuación metalera), y "Pear Of Anquish", otro tema totalmente country, son una bocanada de aire fresco en medio de los vertiginosos, y a veces asfixiantes, requintos de John 5. Por otro lado temas como "Heretic´s Fork" y "The Judas Cradle" mantienen la esencia metalera del álbum invitando de inmediato al headbanging. Con todo y sus excesos "Requiem" no es un mal disco, los aficionados al metal lo disfrutarán y, ejecutado con una técnica impecable, lo amantes de las 6 cuerdas lo encontraran brillante y didáctico. - CORANNIEIT-

John 5, Requiem
60 Cycle Hum Records, 2008

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